[ X ]

Valentina De'Mathà
Selected Press

Archinetwork

Sulla persistenza imperfetta

di Claudia Foresti

archinetwork.it

Sulla persistenza imperfetta

Dalle risonanze mnestiche e dalle percezioni mutevoli, le opere manipolate, intrecciate e tessute da Valentina De’ Mathà abitano e illuminano gli spazi affrescati di Collezione YVN, nello storico Palazzo Agliardi di Bergamo

di Claudia Foresti

Nate da un’indagine autobiografica intima, stratificata, in costante elaborazione, le opere di Valentina De’ Mathà reinterpretano frammenti di memoria tramite tessiture intrecciate, dipinte, riassemblate e rimandi alla fotografia analogica. Fino a settembre 2026, la personale Sulla persistenza imperfetta delle cose amate abita – illumina, scompone, fluidifica – gli spazi di un appartamento nobile, rifinito e affrescato, sede di Collezione YVN, situato nello storico Palazzo Agliardi di Bergamo.

Attraverso una pratica multidisciplinare, l’artista nata in Abruzzo e residente in Svizzera si concentra su una memoria nostalgica ma riformulata, intesa come esperienza emotiva inconscia. Si interessa ai processi di mutevolezza e alla perdita di controllo, che analizza attraverso una continua decostruzione e ricostruzione, sia formale sia concettuale. I suoi sono gesti reiterati di fare e disfare.

Valentina De’ Mathà utilizza materiali legati alla fotografia analogica, declinati in forme morbide e traslucenti che richiamano le pellicole, e alla tessitura, reinterpretata con il suo vissuto, famigliare e territoriale. Il suo lavoro si muove entro una visione dialettica tra ciò che tentiamo di preservare e ciò che inevitabilmente scivola via, mutando costantemente in una forma altra.

L’esposizione a Palazzo Agliardi si articola attraverso una selezione di opere realizzate dall’artista tra il 2009 e il 2026. Il percorso definisce un dialogo riecheggiante nei decori e nei materiali che adornano gli spazi donando una luce liquida, scomposta, poliedrica agli ambienti.

Da installazioni, sculture, opere pittoriche, libri d’artista e video emergono immagini simboliche e ricorrenti che rimandano all’archetipo della casa. Non solo come luogo fisico e vissuto, ma spazio mentale, affettivo, psichico. La casa d’infanzia dell’artista rappresenta infatti il centro emotivo da cui si irradiano i ricordi. In bilico tra senso di appartenenza e ciò da cui vogliamo fuggire.

Le opere intrecciate simboleggiano anche i tentativi di tenere insieme i pezzi della propria esistenza, che riemergono in superficie in tracce emozionali disordinate, aggrovigliate e sfilacciate. Sulle superfici fluide e sfaccettate di fasce sospese che paiono dispiegarsi da vecchi rullini tentano di aggrapparsi ricordi instabili e scivolosi, che si ridefiniscono continuamente in un gioco di trasparenze cangianti.

Il risultato è un’esperienza espositiva mnestica costruita per risonanze e configurata come un intreccio di narrazioni metaforiche e processi percettivi instabili. Un vissuto sempre aperto, quello di Valentina De’ Mathà, che impone di essere costantemente rielaborato.

Sulla persistenza imperfetta delle cose amate, fino a settembre 2026

Palazzo Agliardi, via Pignolo 86, Bergamo

per info e appuntamenti: art@collezioneyvn.com

Collezione da Tiffany

Memoria ricorrente e cuciture a vista: la mostra di Valentina De'Mathà a Bergamo

di Sara Alessandrello

collezionedatiffany.com

Sensibile, cerebrale, intima e universale.

La mostra Sulla persistenza imperfetta delle cose amate di Valentina De’ Mathà –visitabile fino al 30 settembre 2026 presso la Collezione Yvn di Palazzo Agliardi, a Bergamo – parla di memoria individuale e di un passato che, ripercorrendolo, si ri-crea.

Il tema della persistenza interiore del tempo passato, caro da sempre a intellettuali ed artisti (uno su tutti Proust), assume nella produzione di De’ Mathà la connotazione di una necessità personale. La tecnica scelta dall’artista è indissolubilmente legata a questo stato: il tessere e il cucire escono dalla sfera domestica e funzionale tipicamente femminile per trasformarsi in un potente strumento di analisi e trasmissione del sé.

La tessitura come metodo e metafora

Per l’artista, la tessitura è al contempo metodo, linguaggio e metafora. La sua è una prassi privata e quotidiana, fatta di lunghe ore trascorse in camera oscura a lavorare materiali che poi, con la cura meticolosa del cucito, vengono assemblati o intrecciati. Le sue pellicole, carte e poliesteri emulsionati reagiscono ai processi chimici e si intrecciano tra loro, evocando il tentativo di tenere insieme i ricordi che, come la pellicola stessa, tendono inevitabilmente a sbiadire. Il rapporto con la luce e la brillantezza dei materiali concorrono a creare quella sensazione di persistenza imperfetta di cui il fruitore è parte necessaria ed integrante.

De’ Mathà percorre il filo del ricordo per cercare un preciso istante; lo percorre ritualmente e lo rappresenta, lasciando che si sedimenti nell’opera attraverso l’atto creativo. Un gioco di spinte uguali e contrarie: da un lato è la nostalgia che spinge all’indietro, dall’altro la fuga, un moto liberatorio verso il lontano.

Il percorso espositivo: tra tradizione e introspezione

L’installazione site-specific che apre il percorso, Ho sognato che ero nella mia camera da letto ad Avezzano…, indaga proprio questo stato sospeso. Si compone di dodici coperte della tradizione abruzzese pirgate e impilate, sulle quali è adagiato un intreccio – realizzato tra il 2025 e il 2026 – in carta emulsionata e cucita con filo di cotone. I colori riportano la memoria a quelle giornate trascorse nel giardino di casa, sul tappeto d’erba, osservando il cotto dei tetti e i fiori blu di stagione. È l’incarnazione di quell’immobilità che fa sognare terre lontane finché, una volta raggiunte, non resta che sognare il giardino di casa.

Valentina De’ Matha rintraccia gli attimi di persistenza imperfetta di ciò che ha amato e li ripercorre riscrivendone, intrecciandone o cucendone il ricordo nei materiali, secondo un procedimento così privato che fatica ad essere catalogato e archiviato entro schemi cronologici tradizionali, poiché il tempo si fa flusso in cui presente e passato si mescolano indistintamente. Questo concetto emerge con forza negli “Entanglement” (intrecci), opere che attraversano l’esposizione mutando forma: ora bassorilievi, ora sculture su piedistallo, fino a opere adagiate a terra, quasi collassate sotto il proprio peso esistenziale.
Dagli album di famiglia ai diari dell’inconscio
Un altro nucleo fondamentale è costituito dagli Album di famiglia: libri sculture componibili realizzati in poliestere emulsionato dalla forma mobile. Come fragili contenitori di memoria, nell’ultima sala si trasformano evocando il velo delle madonne processionali, richiamando, insieme alle coperte, l’identità culturale dell’artista.

Accanto a essi troviamo un nuovo tipo di narrazione personale: Ninnananna, un’opera video che, attraverso la scrittura con biro su pelle che avviene rapida, imperfetta e diretta, segue il metodo del flusso di coscienza, configurandosi come un diario notturno che dà voce all’inconscio, alla memoria e al segno.

Il titolo della serie contrasta volutamente con la crudezza delle immagini, segnando il passaggio dalla memoria evanescente a quella corporea di Ninnananna. In queste opere, superfici rosa pallido sono attraversate da solchi e linee che ricordano smagliature, trasformandosi in sentieri bellici e confini di difesa psicofisica.

Qui, però, contrariamente a quanto avviene in delle Trincee (2009-2029), attraverso la lavorazione di carte fotosensibili con acidi e fissanti e l’ingrandimento dell’immagine, il segno si astrae. Ne risulta una superficie di grande impatto estetico, quasi come se la fatica e l’introspezione che richiede la trasformazione, si possano sublimare in un polittico di materia densa e lucida.

I lavori esposti, inscindibili dal lavoro dell’artista sulla propria memoria, abitano con suggestione le sale neoclassiche della villa progettata da Leopold Pollack. Un’occasione rara per compiere un viaggio nella memoria di un tempo che è anche interiore.

Segno Online

Ho cucito perché volevo scrivere sulle ferite

di Silvio Mignano

segnonline.it

Ho cucito perché volevo scrivere sulle ferite

Sulla persistenza imperfetta delle cose amate, la personale di Valentina De’Mathà alla Collezione YVN presso Palazzo Agliardi di Bergamo, fino a settembre

di Silvio Mignano

Long ago, I was wounded. I lived
for what I was: from the beginning of time,
in childhood, I thought
that pain meant
I was not loved.
It meant I loved

Sono versi di Louise Glück, Premio Nobel per la letteratura nel 2020, in First Memory, Primo ricordo: Molto tempo fa sono stata ferita. Ho vissuto / per quel che ero io: fin dai primi tempi, / da bambina, pensavo / che il dolore volesse dire / che non ero amata. / Voleva dire che amavo.

Se la scrittura può essere racconto delle ferite, ma anche tentativo di suturarle o comunque di curarle, una dimostrazione è nel bellissimo video ninnananna, nella seconda sala della mostra di Valentina De’Mathà, alla Collezione YVN presso Palazzo Agliardi di Bergamo. L’artista ripassa con la punta di una comunissima biro azzurra la calligrafia delle proprie smagliature, mentre la sua voce dipana un’incessante sequenza di parole sussurrate, appena udibili. Non importa il loro senso compiuto, né se esse siano nate prima o dopo il gesto della penna sulla pelle: quel che davvero conta è lo svolgersi à rebours del groviglio della memoria. Valentina De’Mathà racconta perché ricorda, ricorda perché la memoria, alla quale nessuno può comandare, nasconde cose e impone storie, collocandole sotto la superficie – così come sotto lo strato dell’epidermide scorrono fluidi, tensioni e linfe in movimento che prima o poi debbono erompere in forma di cicatrice e invitare le dita al gesto della sottolineatura.

Se la scrittura può essere racconto delle ferite, ma anche tentativo di suturarle o comunque di curarle, una dimostrazione è nel bellissimo video ninnananna, nella seconda sala della mostra di Valentina De’Mathà, alla Collezione YVN presso Palazzo Agliardi di Bergamo. L’artista ripassa con la punta di una comunissima biro azzurra la calligrafia delle proprie smagliature, mentre la sua voce dipana un’incessante sequenza di parole sussurrate, appena udibili. Non importa il loro senso compiuto, né se esse siano nate prima o dopo il gesto della penna sulla pelle: quel che davvero conta è lo svolgersi à rebours del groviglio della memoria. Valentina De’Mathà racconta perché ricorda, ricorda perché la memoria, alla quale nessuno può comandare, nasconde cose e impone storie, collocandole sotto la superficie – così come sotto lo strato dell’epidermide scorrono fluidi, tensioni e linfe in movimento che prima o poi debbono erompere in forma di cicatrice e invitare le dita al gesto della sottolineatura.
Uno dei grandi riquadri colorati, forse il più scoperto nel mimare la pelle di un rettile, si intitola Entanglement: è il fenomeno teorizzato dai fisici quantistici in base al quale due particelle lontane, incapaci di comunicare tra loro secondo le leggi della meccanica classica, si influenzano invece all’istante. È interessante che il nome scelto per spiegare questa correlazione da Schrödinger (quello del paradosso del gatto) sia groviglio, la traduzione di entanglement. Tempo e memoria si giocano dunque sul filo di un gomitolo, e se c’è una risposta alle ferite di cui ai versi di Louise Glück (pensavo / che il dolore volesse dire / che non ero amata. / Voleva dire che amavo) può offrircela il titolo di un altro arazzo in poliestere emulsionato: L’Amore con l’Amore si fa.

Segno Online

Nella terra del rimpianto e della memoria

di Silvio Mignano

segnonline.it

Nella terra del rimpianto e della memoria

Il pavimento di casa di mia madre di Valentina De’Mathà, nell’ambito di Lascia andare, a cura di Majd El Roumy, presso Cosmo, Piazza Santa Apollonia in Trastevere 1° marzo 2025.

di Silvio Mignano

Siamo su una strada in salita, a sinistra del ciglio, risalendo un marciapiede che fiancheggia case con giardini, oltre i quali, al di là delle siepi, ci vengono incontro delle tartarughe. Siamo alberi sospesi, senza radici, arieti bianchi o scorpioni sul pavimento di una casa tra le montagne abruzzesi. Siamo circondati da losanghe che ruotano come un caleidoscopio, uno di quei tubi precari di cartone che avremo forse comprato da bambini su una bancarella in una fiera di paese – il paese dell’infanzia, dei nonni, delle madri.

Ci troviamo in realtà sotto la volta ad archi dello spazio Cosmo, in piazza sant’Apollonia, a poche decine di metri dall’adiacente Piazza di Santa Maria in Trastevere. Nel sottosuolo, e nel quadro della mostra Lascia andare curata da Majd El Roumy, l’artista avezzanese Valentina De’Mathà, che da anni vive e opera in Svizzera, affida a un video di ventidue minuti un nuovo capitolo della sua lunga opera di ricostruzione della memoria, familiare, ancestrale, ma anche e soprattutto personale.

È un lavoro di profondo scavo nel quale il materiale raccolto nel corso degli anni nella casa materna ad Avezzano si incrocia e fonde con gli studi di antropologia e con un’analisi introspettiva, dichiaratamente ispirata alle teorie di Carl Gustav Jung ma nella quale intervengono studi di mitologia preromana, di storia delle popolazioni dell’Abruzzo e dell’Italia centrale, delle religioni comparate, delle feste rituali e dei miracoli, di estetica e di psicologia.

Il materiale raccolto è enorme e l’artista lo ha dipanato nel tempo affidandosi soprattutto all’uso di supporti originali, come la carta speciale per la fotografia analogica, trasformata attraverso il gesto antico del cucito in arazzi sorprendenti, a loro volta concepiti come lavori bidimensionali ma anche come costruzioni tridimensionali, che ricordano certe creazioni astratte ma non astratte di Carla Accardi.

Qui invece il pulsare vagamente psichedelico dei colori e delle geometrie sulla parete tremolante dei calanchi di Trastevere si accompagna a un sonoro che perfora gentilmente ma acutamente l’udito e l’anima dello spettatore-ascoltatore. All’inizio è un mantra a sua volta astratto, un canto di balena che risale dagli abissi e che non si traduce in frasi o parole di lingua riconoscibile. Tuttavia basta adeguare la nostra attenzione alle frequenze giuste perché quel flusso di voce divenga racconto – smozzicato, reiterato, sovrapposto, ma alla fine limpido.

Ho sognato che, ripete l’artista, in un tono sommesso, assonnato, che in più momenti scivola nello sbadiglio per poi ricomporsi come creta umida in nuove parole. Ho sognato che mi trovavo lungo una strada in salita, sul lato sinistro, e lì c’erano case con il giardino e oltre le siepi c’erano delle tartarughe. Ho sognato un albero, sospeso, senza radici. Ho sognato. Tutte queste frasi smuoiono l’una nell’altra, l’una sull’altra, inseguendosi come in un canone di Pachelbel.

Sono alcuni dei sogni che l’artista racconta di aver trascritto giorno per giorno, al risveglio, annotandoli su un quaderno tenuto accanto al letto, dal 2019 al 2025. La casa materna di Avezzano è il loro centro immancabile, attorno al quale ruotano memorie, suoni, profumi e colori, letti alla luce dell’irrazionalità consapevole della dimensione onirica. Un letto si trasforma in caverna, le mattonelle di un pavimento in tappeto istoriato: quel che conta, sul piano artistico, è la resa di questi materiali in valore estetico ma anche emotivo, e l’effetto che ne deriva potente e al tempo stesso delicato. Immersi nel buio e raccolti nell’incavo delle arcate, siamo avvolti dall’eco sommessa della voce narrante e dal rilucere tremante dei colori, e ci troviamo per un attimo perduti nella vasta inesplorata landa del rimpianto e della memoria.

RaiNews

Artiste e attiviste

di Mariella Zezza Lombardi

RaiNews.it

Nonsolo8marzo

Artiste e attiviste

Il divario di genere trova validità anche fra tele e statue attraverso i secoli. La mostra Art Gender Gap si propone di contaminare contesti culturali e sociali

23/05/2026 Mariella Zezza Lombardi

Un indice economico introdotto dal World Economic Forum, quello del divario di genere, che trova validità anche fra tele e statue attraverso i secoli. Consapevoli delle disparità di accesso alla formazione, delle limitazioni nelle committenze, per non dire delle mancate attribuzioni che hanno caratterizzato il passato, molte artiste contemporanee segnano un deciso cambiamento di rotta con opere di frontiera.

Ed è questo nuovo Rinascimento al femminile che attraverso la mostra Art Gender Gap, allestita a Monte San Savino e proiettata verso il territorio, si propone di contaminare contesti culturali e sociali.

Nicoletta Castellaneta, una delle curatrici, ci guida fra opere mirabili che risaltano nel contrasto degli scenari offerti da Monte San Savino. Ce le descrive intessendole alla sua esperienza di madre e lavoratrice che è riuscita a valorizzare al massimo grado in entrambi gli ambiti.

Il suo consiglio per le giovani donne, ognuna a suo modo un’artista, è quello di “uscire dal nido, viaggiare e guardare il mondo con autoironia”.

RaiNews

Il divario di genere nell'arte, problemi e soluzioni

di Luca Garosi

RaiNews.it

Il divario di genere nell'arte, problemi e soluzioni

In mostra 53 opere di 40 artiste che, in epoche e linguaggi diversi, hanno attraversato e superato quel sistema di disuguaglianze – sociali, culturali, istituzionali – che per secoli ha reso l’arte un orizzonte pressoché esclusivamente maschile

23/04/2026 Luca Garosi, inviato a Monte San Savino (AR)

Si intitola “Art Gender Gap” la mostra che nasce come gesto pubblico e necessario: diffusa in quattro spazi espositivi nel centro storico di Monte San Savino (in provincia di Arezzo) è anche una restituzione. Rende omaggio a chi ha saputo contrastare l’oscurantismo e i limiti della cultura patriarcale dimostrando che l’arte, lungi dal coincidere con un genere, si sostanzia nella più performante possibilità di espansione dell’essere umano.

Il gender gap non è stato soltanto un ritardo o mancanza di riconoscimento: è stato una struttura di esclusione. Esso ha limitato la possibilità stessa, per le donne, di formarsi, produrre, circolare, essere riconosciute. Il talento non è mai mancato: sono mancate le condizioni.

L’Arte Contemporanea ha reso evidente ciò che oggi dovrebbe essere incontrovertibile: l’arte non può avere canoni di genere distinti e discriminatori. Non perché le differenze e l’identità non abbiano un proprio valore ma perché a nessuna forma di espressione e a nessun linguaggio può essere precluso di accedere alla sfera dell’arte.

La contemporaneità ci ha insegnato come l’arte incida concretamente sulla storia, sul potere, sulle dimensioni soggettive e collettive e come essa, con il potere delle immagini e delle correlate emozioni, si faccia corpo prima nell’artista e, quindi, nel fruitore. Questa mostra esprime il superamento di ogni distinzione basata sul sesso e sul genere. Non c'è più nessuno oggi che possa definire un’opera pittorica o comunque un’opera d’arte in relazione al genere di chi l’ha creata.

(ha collaborato Marco Matteucci)

Artribune

In Toscana il borgo di Monte San Savino si apre all’arte contemporanea con una mostra itinerante e di genere

di Giovanna Dalla Chiesa

artribune.com

In Toscana il borgo di Monte San Savino si apre all’arte contemporanea con una mostra itinerante e di genere

Art Gender Gap, rassegna con 40 artiste e tre curatori, racconta le disparità di genere con un progetto che tocca dal Museo dedicato ad Andrea Sansovino alla cisterna fino al giardino rinascimentale del piccolo, ma intrigante comune toscano in provincia di Arezzo

di Giovanna Dalla Chiesa 14/05/2026

Quest’anno, l’8 marzo è stata un’occasione speciale anche per la città di Monte San Savino.  La Giornata Internazionale della Donna (o meglio “delle Donne”, in omaggio alla molteplicità delle identità femminili) ha consentito di coniugare insieme, l’omaggio a donne celebri del panorama artistico internazionale del XX Secolo con luoghi ben più antichi, rappresentativi del rinascimento italiano, di cui è ricco lo splendido centro storico della città. 
Monte San Savino, anche grazie alla rinomanza di un autore come Andrea Sansovino, scultore e architetto cinquecentesco, che ne è originario, non ha davvero nulla da invidiare ai tanti siti della magnifica Toscana, regione che rappresenta al più alto livello, il cuore della storia e della cultura italiana. Sino ad oggi, però, questo passato, non era riuscito a dialogare con il presente, rischiando di escluderla dai giochi e dalle sfide a cui sollecita la vita.

La mostra Art Gender Gap a Monte San Savino

Sono ben 40 le artiste e 53 le opere che i tre curatori – Giuseppe Simone Modeo, Nicoletta Castellaneta e Domenico de Chirico – hanno scelto per la mostra Art Gender Gap, che si è proposta di esaminare proprio l’aspetto di “esclusione strutturale”, che ha caratterizzato la posizione del ruolo femminile nella storia, inibendolo a tutte le professioni indipendenti, appaltate, invece, come per diritto naturale, al genere maschile.

Le opere in mostra a Monte San Savino

La mostra itinerante in più spazi (GAS, Chiesa di Santa Chiara, Palazzo Ciocchi di Monte e il Cisternone rinascimentale posto sotto i Giardini del Palazzo Comunale)- messa insieme grazie alla passione più che agli investimenti, con opere sempre interessanti - ha avuto la lungimiranza di coinvolgere, sia il National Museum of Women in the Arts di Washington, tramite la Presidente del Comitato italiano, Claudia Pensotti Mosca, sia la collezione Christian Levett e il Museo FAMM di Mougin (Francia), un unicum, che ospita esclusivamente opere di artiste, lasciando intravedere un lavoro in itinere destinato a espandersi ancora in futuro. Il catalogo, oltre ai testi dei curatori reca anche i contributi di Christian Levett, Renee Adams, Martina Corgnati, Pasquale Giuseppe Macrì, Claudia Pensotti Mosca.
Nella Galleria Andrea Sansovino, sita nella Loggia dei Mercanti, progettata dallo stesso Sansovino, un dialogo di sofisticato e intrigante tenore si svolge tra Orlan, Sylvie Fleury, Valentina De’ Mathà, Carla Accardi, Maria Lai, Vanessa Beecroft, Kiki Smith, Gina Pane, Beverly Pepper, Hanne Darboven, Carol Rama, Pipilotti Rist, Marlene Dumas, Letizia Battaglia, Candida Hofer, Katharina Grosse, Annette Messager, Sophie Calle, Louise Bourgeois, Cecily Brown, Tracey Emin, Chiharu Schiota, Martha Jungwirth, Alicja Kwade, Mona Hatoum, grandi protagoniste della rivoluzione di genere, facendo spazio a un erotismo graffiante, talora ironico, spesso doloroso, sperimentato sulla carne viva, dunque intensamente provocatorio e capace d’interrogare con forza le coscienze, tanto da rappresentare il cuore, la sfida e la risposta del rimosso femminile alla società e alla storia, e di porsi, al contempo, come fulcro della mostra.

Una mostra itinerante

A Palazzo Ciocchi di Monte ci accolgono invece, a partire dal cortile i dischi finemente traforati di Luisa Elia e nelle sale interne le opere della grande Miriam Schapiro, fondatrice del movimento Womanhouse, l’esplicita provocazione di Lidia Bachis, i vortici di matite di Paola Pezzi, un sofisticato acquerello di Leonor Fini, il prezioso frammento di progetto di tessuto di Sonia Delaunay, un grande pannello di Laura Fiume e due splendidi lavori dedicati a Emily Dickinson di Luisa Lanarca, nome d’arte di Luisa Antonucci – cittadina onoraria di Monte San Savino – che attraverso un paziente lavoro di tessitura, riassume insieme l’aspirazione a un contatto intimo con la natura, l’autonomia del segno-gesto, la parola poetica, il tempo lungo e solitario di una dedizione che appaga l’intero suo essere.
Nella Chiesa di Santa Chiara, fra le pale in terracotta di Andrea Sansovino e altre robbiane, la ricca decorazione a grottesche dell’oratorio, i lavori delle artiste s’inseriscono con cadenze perfette a partire dalla splendida Geografia temporale di Sophie Ko, Del Cielo e della Terra, costruita con pigmenti puri che con il peso naturale franano dolcemente creando marezzature trattenute da una geometria di definizione impeccabile come un altare, con la delicata Foresta sonora di Sonia Costantini, lo sferzante No Hope, No Fear di Iv Toshain che lancia il suo sasso contro lo specchio a spezzare l’illusione visiva, le sculture araldiche di Monica Mazzone, la toccante scultura Ricordi di Luisa Rabbia che pare chiudere intorno al dorso femminile il tessuto del sacco dei ricordi, e ancora la tavola “Il Regno” di Lidia Bachis, qui in una versione decisamente ieratica. 

Le altre sedi della mostra Art Gender Gap

Ma la resa più sorprendente e attuale è costituita dai lavori speculari di Iv Toshain e Veronica Montanino che si confrontano al di sotto del magico giardino rinascimentale, sul retro del Palazzo Comunale, lungo il Cisternone reso percorribile da una passerella sospesa nel tunnel, e suddiviso da grandi arcate, tra lo specchio dove scorre l’acqua e la parete continua che l’accompagna. 
Montanino che si è già misurata con successo con il tema dell’acqua nel Parco di Sculture all’aperto di Bassano in Teverina, creato da Lucilla Catania, realizza qui uno dei suoi interventi più riusciti, grazie anche alla collaborazione con Sauro Radicchi che ha saputo ancorare perfettamente i rami che escono dall’acqua su una piccola piattaforma, senza togliere flessibilità al naturale galleggiamento delle forme. Sul lato opposto a questa visione onirica e surreale bagnata di luce verde, si stagliano i perentori statement di Iv Toshain Freedom is Not, Freedom is Sexy, le cui parole incandescenti cambiano costantemente colore.
È bello pensare che lo sforzo di una mostra coraggiosa che getta luce sulla ricchezza del contributo femminile, possa essere, e non solo per Monte San Savino, la chiave di volta di un futuro, dove abbattendo steccati e apportando nuova conoscenza, possiamo avviarci a una grande trasformazione per cui da tempo siamo in cammino.

Giovanna Dalla Chiesa

Monte San Savino (AR) // fino al 31 maggio 2026
Art Gender Gap
GAS – GALLERIA ANDREA SANSOVINO – Corso San Gallo, 75

StadtGalerie Brixenstata

Valentina De’Mathà-Roger Weiss
Tutti i presenti che non sono mai esistiti

a cura di Marco Pietracupa

VALENTINA DE’MATHÀ - ROGER WEISS

Tutti i presenti che non sono mai esistiti, 2025

StadtGalerie Brixen
Galleria Civica Bressanone

A cura di Marco Pietracupa
Catalogo con testo critico di Gianluca Marziani

Tutti i presenti che non sono mai esistiti nasce da un dialogo tra le ricerche dell’artista italo-svizzera Valentina De’Mathà e dell’artista svizzero Roger Weiss sul concetto di identità, di memoria, di percezione della realtà e del presente.
Gli spazi della StadtGalerie Brixen vengono reinterpretati come un abitare metaforico, dove il percorso espositivo si sviluppa attraverso diversi gradi di intimità.
La peculiare architettura della galleria - suddivisa in tre ambienti - viene delimitata ulteriormente attraverso una dualità cromatica nelle due sale principali comunicanti, entrambe con ingresso indipendente: in una le pareti sono antracite, nell’altra bianche. La fruizione della mostra viene percepita in modo completamente differente in base all’ingresso da cui si decide di entrare creando due possibili letture del racconto.
Nell’area espositiva con le pareti antracite, Roger Weiss mette in atto tre video installazioni della serie “Cronotopi domestici: l’archeologia del quotidiano”, in cui un’intelligenza artificiale sviluppata specificamente per questa serie da Brandcraft.it, interviene in due modi: manipola la linearità temporale dei video e altera le azioni quotidiane documentate eliminando alcuni oggetti mediatori: una persona che pulisce un tappeto senza aspirapolvere, una coppia che mangia senza l’ausilio delle posate, e due mani nell’atto di lavare i piatti in un lavandino. Queste opere indagano come gli schemi mentali e l’automatismo dei gesti quotidiani possano oscurare la ricchezza dell’esperienza presente. Mentre Valentina De’Mathà espone a parete una selezione di sei opere realizzate con RA-4 e incisioni su poliesteri emulsionati trasparenti 200x127 cm tratte dalla serie “Se puoi guardare fuori, gli altri possono guardare all’interno”. Queste opere analizzano la frammentazione e scomposizione della percezione che si ha di sé stessi e che gli altri hanno di noi. Un lavoro che fonda le radici su quesiti psicologici e filosofici/culturali. Queste opere sembrano vetri riflettenti frantumati che scompongono la nostra immagine/identità che muta in continuazione allo sguardo dell’Altro. Se pensiamo a quando camminiamo per strada, ad esempio, la nostra figura si moltiplica e scompone specchiandosi ovunque: nelle vetrine dei negozi, nei finestrini delle auto che passano, nei diversi punti di vista dello sguardo degli sconosciuti. Ovunque ci sono occhi che ci guardano e ognuno vede cose di noi sempre diverse, continue sfaccettature e tasselli della nostra personalità. Ma rimandano anche agli schermi luminosi degli smartphone con cui siamo abituati a comunicare nella società contemporanea. Il frantumare di questi schermi sta a indicare la volontà di far cadere quel Velo di Maya secondo la visione di Schopenhauer, che si frantuma andando alla ricerca di una realtà più profonda. La scelta di porre queste opere su pareti grigie sta a significare la volontà di capovolgerne il significato, alla ricerca di un’intimità e introspezione più profonda e non solo apparente. È la volontà di spegnere certe luci che ci abbagliano e invitarci a fare più autoanalisi.

Testata 09
Autore 09

Titolo articolo 09

website.it

Testo

Testata 10
Autore 10

Titolo articolo 10

website.it

Testo

Testata 11
Autore 11

Titolo articolo 11

website.it

Testo

Testata 12
Autore 12

Titolo articolo 12

website.it

Testo

Testata 13
Autore 13

Titolo articolo 13

website.it

Testo

Testata 14
Autore 14

Titolo articolo 14

website.it

Testo

Testata 15
Autore 15

Titolo articolo 15

website.it

Testo

Testata 16
Autore 16

Titolo articolo 16

website.it

Testo

Testata 17
Autore 17

Titolo articolo 17

website.it

Testo

Testata 18
Autore 18

Titolo articolo 18

website.it

Testo

Testata 19
Autore 19

Titolo articolo 19

website.it

Testo

Testata 20
Autore 20

Titolo articolo 20

website.it

Testo

Testata 21
Autore 21

Titolo articolo 21

website.it

Testo

Testata 22
Autore 22

Titolo articolo 22

website.it

Testo

Testata 23
Autore 23

Titolo articolo 23

website.it

Testo

Testata 24
Autore 24

Titolo articolo 24

website.it

Testo

valentinadematha@gmail.com